Chapter 7 - Concerto à la mémoire d'un ange

Créé de façon posthume à Barcelone en 1936, le Concerto à la mémoire d’un ange du compositeur viennois Alban Berg résulte d’une commande du violoniste Louis Krasner – qui en assuma la création –, persuadé que l’avenir de la musique contemporaine résidait dans le dodécaphonisme. Bien que l’oeuvre adopte résolument ce langage, quelques citations tonales la ponctuent, dont un extrait d’un choral de Bach. Peu enclin à écrire un concerto virtuose « à la Wieniawski », Berg relèvera pourtant le défi de composer une oeuvre dodécaphonique empreinte de lyrisme, à la manière des Concertos de Beethoven et de Brahms. Le décès soudain, à l’âge de 18 ans, de Manon Gropius, fille d’Alma Mahler et Walter Gropius, dont Berg et sa femme étaient des amis proches, ébranlera fortement le compositeur. C’est pourquoi il sous-titrera « à la mémoire d’un ange » ce Concerto, reflétant à la fois son affection pour Manon et l’importance qu’il accordait à son oeuvre. Le premier mouvement, illustrant l’enfance et la joie de vivre de la jeune Manon par ses harmonies lumineuses – une berceuse apparaît à la fin du mouvement –, contraste avec son second mouvement, nettement plus tourmenté, symbolisant par ses méandres sombres la tragique maladie dont est morte la jeune femme, la poliomyélite. La succession d’accords majeurs qui conclut la pièce apporte toutefois un apaisement puisque la Mort est perçue comme une délivrance aux yeux du compositeur. Sur le plan structurel, Berg convoque dès le début de la pièce un élément thématique formé à partir des quatre cordes à vide du violon (sol-ré-la-mi), qui reviendra de façon récurrente tout du long, assurant du même coup son unité. Le décès de Berg, survenu à peine trois mois avant la création de l’oeuvre, ajoutera à l’aura émotionnelle entourant ce Concerto à la mémoire d’un ange.

Créé de façon posthume à Barcelone en 1936, le Concerto à la mémoire d’un ange du compositeur viennois Alban Berg résulte d’une commande du violoniste Louis Krasner – qui en assuma la création –, persuadé que l’avenir de la musique contemporaine résidait dans le dodécaphonisme. Bien que l’oeuvre adopte résolument ce langage, quelques citations tonales la ponctuent, dont un extrait d’un choral de Bach. Peu enclin à écrire un concerto virtuose « à la Wieniawski », Berg relèvera pourtant le défi de composer une oeuvre dodécaphonique empreinte de lyrisme, à la manière des Concertos de Beethoven et de Brahms. Le décès soudain, à l’âge de 18 ans, de Manon Gropius, fille d’Alma Mahler et Walter Gropius, dont Berg et sa femme étaient des amis proches, ébranlera fortement le compositeur. C’est pourquoi il sous-titrera « à la mémoire d’un ange » ce Concerto, reflétant à la fois son affection pour Manon et l’importance qu’il accordait à son oeuvre. Le premier mouvement, illustrant l’enfance et la joie de vivre de la jeune Manon par ses harmonies lumineuses – une berceuse apparaît à la fin du mouvement –, contraste avec son second mouvement, nettement plus tourmenté, symbolisant par ses méandres sombres la tragique maladie dont est morte la jeune femme, la poliomyélite. La succession d’accords majeurs qui conclut la pièce apporte toutefois un apaisement puisque la Mort est perçue comme une délivrance aux yeux du compositeur. Sur le plan structurel, Berg convoque dès le début de la pièce un élément thématique formé à partir des quatre cordes à vide du violon (sol-ré-la-mi), qui reviendra de façon récurrente tout du long, assurant du même coup son unité. Le décès de Berg, survenu à peine trois mois avant la création de l’oeuvre, ajoutera à l’aura émotionnelle entourant ce Concerto à la mémoire d’un ange.

“Embryonic” contains the kernels of ideas – their raw and unpolished starting points – from a slew of my previous pieces, reanimating small but often brutish musical sentiments. The piece then acts as a sort of stellar nursery, incubating them into a much broader and nebulous form. I attempt to gestate these earlier ideas into more patient and expansive soundworlds, but this maternality does not soften them: instead, they reach towards a muscularity and sense of extremes that continues to define my sonic interests.    

“Embryonic” contains the kernels of ideas – their raw and unpolished starting points – from a slew of my previous pieces, reanimating small but often brutish musical sentiments. The piece then acts as a sort of stellar nursery, incubating them into a much broader and nebulous form. I attempt to gestate these earlier ideas into more patient and expansive soundworlds, but this maternality does not soften them: instead, they reach towards a muscularity and sense of extremes that continues to define my sonic interests.    

Fracas
 

Commande du Nouvel Ensemble Moderne, dédiée à Lorraine Vaillancourt, qui m’a initié à la musique contemporaine en 1977 lorsque j’ai joué de la flûte sous sa direction à l’Université de Montréal.

Fracas désigne l’éclat de l’événement, mais ce sont ses traces — les restes, la mémoire persistante et son interprétation inévitable — qui nourrissent l’inspiration de cette œuvre. Je me suis aussi posé la question : comment donner à la musique la densité d’un geste créatif figé — comme dans les drip paintings de Jackson Pollock —, alors même qu’elle se déploie sans cesse dans le temps ?

Pour cette œuvre, j’ai analysé un bruit complexe, récurrent mais jamais identique, entrecoupé de silences brefs. J’en ai tabulé les fréquences et rythmes — que j’ai dû simplifier —, et créé des strates à partir des groupes instrumentaux. Au cœur du discours orchestral émerge la voix monodique du piano, naviguant en son propre univers et suscitant progressivement des résonances de l’ensemble.

Fracas exprime délibérément une certaine monotonie : chaque répétition reste unique. Ce geste itératif modifie la perception du temps. Bien que l’œuvre semble statique, ses matériaux évoluent subtilement pour dévoiler soudain un univers inédit — tel un télescope qui rapproche son sujet : l’événement se révèle au ralenti, par vagues, exprimant un ordre inhérent au chaos précédent.

Linda Bouchard

Avril 2026

Sechelt, Colombie Britanique, Canada

Fracas
 

Commande du Nouvel Ensemble Moderne, dédiée à Lorraine Vaillancourt, qui m’a initié à la musique contemporaine en 1977 lorsque j’ai joué de la flûte sous sa direction à l’Université de Montréal.

Fracas désigne l’éclat de l’événement, mais ce sont ses traces — les restes, la mémoire persistante et son interprétation inévitable — qui nourrissent l’inspiration de cette œuvre. Je me suis aussi posé la question : comment donner à la musique la densité d’un geste créatif figé — comme dans les drip paintings de Jackson Pollock —, alors même qu’elle se déploie sans cesse dans le temps ?

Pour cette œuvre, j’ai analysé un bruit complexe, récurrent mais jamais identique, entrecoupé de silences brefs. J’en ai tabulé les fréquences et rythmes — que j’ai dû simplifier —, et créé des strates à partir des groupes instrumentaux. Au cœur du discours orchestral émerge la voix monodique du piano, naviguant en son propre univers et suscitant progressivement des résonances de l’ensemble.

Fracas exprime délibérément une certaine monotonie : chaque répétition reste unique. Ce geste itératif modifie la perception du temps. Bien que l’œuvre semble statique, ses matériaux évoluent subtilement pour dévoiler soudain un univers inédit — tel un télescope qui rapproche son sujet : l’événement se révèle au ralenti, par vagues, exprimant un ordre inhérent au chaos précédent.

Linda Bouchard

Avril 2026

Sechelt, Colombie Britanique, Canada